La macchina da presa di Sophia Hörmann si rivela, in Endstation Seestadt, particolarmente abile nel rappresentare i corpi degli attori, in continue danze dove, in un intrecciarsi di corpi, braccia e gambe, non si distingue più un singolo individuo e dove tutto, fin da subito, assume un significato simbolico e spirituale.
In The Flackl Experience la classicità si accosta al kitsch, per una vera e propria esperienza fuori dal comune. Il tutto per un documentario che, al contempo, mostra anche qualche piccola ingenuità da un punto di vista prettamente tecnico.
Soltanto per un giorno, Roman Chalupnik ha visitato il laboratorio di June Leaf, vedova del fotografo Robert Frank. Eppure, in poco meno di otto minuti, è riuscito a riportare sullo schermo l’essenza vera e propria della sua arte. Ed è proprio con un curatissimo bianco e nero che la macchina da presa del regista si concentra sulle mani dell’artista intenta a creare nuove sculture, sui suoi attrezzi del mestiere e sui piccoli oggetti da lei precedentemente creati.
Con una messa in scena essenziale dai chiari richiami al realismo poetico e dove a prevalere sono i toni ora del blu ora del rosso il regista Tim Oppermann contribuisce a rendere ancora più efficace l’effetto straniante dell’intero Frisch.
Sono vecchie fotografie, insieme a scene girate direttamente durante concerti dedicati al maestro Walter Arlen a costellare il presente Walter Arlen’s first Century. E un andamento il più possibile tranquillo e meditativo pervade l’intero lavoro di Stephanus Domanig.
Disincantato, razionale e satirico al punto giusto – con anche un tocco di velata ironia al proprio interno – Lourdes, puntando il dito contro una società ipocrita e perbenista, che altro non fa che vivere di illusioni, ci mostra una realtà ben lungi da come la immaginiamo.
I love Vienna si presenta come un variopinto e allegro affresco della società, in cui vengono sì tirate in ballo tematiche spinose – riguardanti, soprattutto, le varie differenze culturali e i diversi modi di intendere il matrimonio e le relazioni amorose in generale – ma il tutto viene fatto in modo ironico, attraverso un sapiente lavoro di scrittura che vede in numerosi equivoci e paradossi le sue più importanti peculiarità.
Suoni distorti, immagini sovraesposte, inquadrature sghembe. Questa è la cifra stilistica del presente Tiere Schauen. Il tutto per una regia senza regole apparenti. Eppure, chiaro e lampante è il messaggio che Pawel Szostak vuole lanciare con questo suo lavoro.
In Macondo sono molteplici le tematiche tirate in ballo. Se, da un lato, vediamo il problema dell’integrazione della famiglia di Ramasan all’interno della società austriaca, ecco che il focus lentamente si sposta sul dramma personale del giovane protagonista, sul bisogno di appartenenza a qualcosa di stabile e rassicurante – come può essere, in questo caso, la famiglia – e sul desiderio di scoprire la verità circa un passato di cui si sa ancora troppo poco.
Sono i colori del rosa, dell’arancio, dell’oro e del giallo a pervadere l’intero Lezzieflick. E i fondali delle immagini, così variopinti, così stratificati, sembrerebbero quasi ricordare i dipinti di Gustav Klimt e, nello specifico, il suo capolavoro Le tre Età della Donna.