INTERVIEW MIT LUDWIG WÜST

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Anlässlich der Diagonale 2019wurde dem bekannten österreichischen Filmemacher Ludwig Wüst ein eigener Bereich in der Reihe In Referenz gewidmet. Neben seinem neuesten Spielfilm Aufbruch (bereits im Programm der Berlinale 2018), waren auch Ägyptische Finsternis (2002) und Das Haus meines Vaters (2012) zu sehen. (2012). Interview von Marina Pavido.

Marina Pavido: Herr Wüst, bei der Diagonale haben wir Ägyptische Finsternis, Das Haus meines Vaters und Aufbruch angesehen. Diese drei Werke sind für Sie von besonderer Bedeutung. Jedes erzählt auf seine Weise von einer Reise, die auch eine innere Reise ist. Was bedeutet der Begriff „Reise“ für Sie?

Ludwig Wüst: Ich glaube, dass das Leben eine Reise ist und ich glaube, dass jeder für sich selbst entscheidet, wie weit er gehen möchte. Manche Reisen sind nur innerlich, während andere ihre Erfüllung auch im Außen finden. Das Leben ist kurz und viele Menschen entscheiden sich zu reisen, um weiter zu kommen. Es wäre schön, wenn Reisen im Film neue Umgebungen zeigen könnten, die wir nur in unseren Köpfen kennen, wenn sie den Zuschauer zum Nachdenken über das Leben bringen und ihm Lust machen könnten, selbst neue Reisen zu machen.

M. P: Ägyptische Finsternis und Aufbruch erzählen Geschichten über Menschen, die weit weglaufen wollen. Steht dies im Gegensatz zu Das Haus meines Vaters (wo der Protagonist nach vielen Jahren in sein Elternhaus zurückkehrt) oder generell zur Heimetfilm-Trilogie?

L. W.: Ägyptische Finsternis schildert die Flucht einer Frau, die vor dem Leben, das sie immer gelebt hat, wegläuft und in der Wüste verschwindet. Am Ende fährt sie etwa zweihundert Meter und verschwindet dann. In Aufbruch haben wir die Geschichte zweier Charaktere, die auf ähnliche Weise ihren Alltag verlassen, sich treffen und für ein paar Stunden kurz eine Strecke zurücklegen, bis schließlich die Frau stirbt und ich (in der anderen Rolle) meinen Weg fortsetze. Wohin ich gehe, ist unbekannt, aber es findet trotzdem eine Transformation statt. In Das Haus meines Vaters gehen zwei Menschen an einen Ort, der zu ihrer Kindheit gehört, und wieder gibt es am Ende eine Verwandlung: Der Mann schenkt der Frau das Haus und geht für immer weg. Nun, all dies sind Ausnahmesituationen, die die Charaktere und ihr Leben radikal beeinflussen.

M. P.: Das Haus meines Vaters ist Ihren Eltern gewidmet, aber alle Ihre Werke sind auf ihre Weise autobiografisch. Können Sie uns mehr darüber erzählen?

L. W.: Sicherlich ist Das Haus meines Vaters der Film, der mir am nächsten steht: Meine Eltern waren vor kurzem gestorben, ich habe das Haus, in dem ich aufgewachsen bin, noch einmal gesehen, ich habe bestimmte Empfindungen gespürt, aus denen ein Film erwachsen ist. In Aufbruch ist die Figur, die ich spiele, ein Tischler, genau wie ich. Ägyptische Finsternis wurde durch einen Roman von Ingeborg Bachmann inspiriert. Koma hingegen konzentriert sich auf das Thema der Liebe und ihrer Macht; In diesem Fall bin ich der Zuschauer. Ein Zuschauer, der seinerseits schockiert ist, wie mächtig die Liebe zwischen zwei Menschen sein kann. Wie Godard sagen würde, gibt es in der Liebe keine Grenzen: Es kann sowohl Krieg als auch große Schönheit geben. Tape End ist vielmehr eine Art Dokumentation, in der ich selbst mit meiner Kamera meine Arbeit und die Welt, in der ich arbeite, beobachte.

M. P.: Realismus und Minimalismus spielen in Ihren Werken eine zentrale Rolle. Wie erreichen Sie das bei der Inszenierung?

L. W.: Das Ziel ist es, durch Abrechnung zu spielen. In Aufbruch zum Beispiel sprechen wir fast nie. Oder besser gesagt, wir sprechen nur drei oder vier Mal. Alles, was wir tun, erzählen wir in Bildern. Das ist ein Ziel, das wir nach und nach, Film für Film, durch eine Reise, die zehn Filme dauerte, erreicht haben: So wenig wie möglich zu sprechen und fast alle Worte den Bildern zu überlassen. In diesen fünfzehn Jahren hat sich innerhalb des Teams, mit dem ich zusammenarbeite, ein starkes Vertrauen entwickelt. Wir reden ständig miteinander und tauschen Erfahrungen aus. Es ist fast so, als hätte ich langsam ein Haus mit einem sehr soliden Fundament gebaut, in dem jedes einzelne Element wichtig ist. Diese Elemente kennen mich, so wie ich sie kenne: Mein Kameramann, meine Schauspieler, Maya (meine Produzentin), usw. Das ist die beste Situation, und in so einem Kontext ist alles möglich, viel mehr als in einer großen Industrie. Ich, als Regisseur, mache während des Drehs nichts mehr. Alles wird bereits zu Beginn vereinbart. Wenn man dreht, bin ich nicht mehr der Regisseur.

M.P.: Sie haben oft die Rolle einer der Figuren in Ihren Filmen gespielt. Wie verhalten Sie sich, wenn Sie gleichzeitig Regisseur und Schauspieler sein müssen?

L. W.: Ich habe eine Zeit lang im Theater gearbeitet. Außerdem habe ich Qualifikationsnachweise sowohl als Tischler als auch als Schauspieler. In Aufbruch nutze ich auch meine Erfahrung als Tischler und gemeinsam mit meiner Kollegin Claudia Martini, meinem Kameramann Klemens und meiner Produzentin Maya haben wir vor den Dreharbeiten viele Male geprobt. Wir haben uns viel Zeit genommen, um zu proben und uns auf alles zu einigen. Und langsam wurde ich Teil jeder Szene.

M. P.: Sie haben Ihre Karriere beim Theater begonnen. Was bedeutet es für Sie, ein Theaterstück zu inszenieren, im Gegensatz zu einen Film zu drehen?

L. W.: Ich denke, die Arbeit an einem Film ist etwas Hermetisches. Bei zehn meiner elf Filme war ich auch als Produzent tätig. Alle Entscheidungen lagen bei mir. Was das Theater betrifft, so habe ich dreizehn Jahre lang darin ausgebildet. Theater ist Dialog. Immer. Jeden Tag. Und das, weil man oft mit unterschiedlichen Menschen zusammenarbeitet. Es gibt keine endgültige Form, sondern eine Wiederholung. Jeder Film hat am Ende eine endgültige Form. Im Theater kann das nicht passieren. Ein sehr witziger Kollege hat einmal geschrieben: „Theater zu machen ist wie in den Sand zu schreiben.“ Bald wird alles ausgelöscht sein. Und dann gibt es natürlich noch andere Parameter. Im Theater brauche ich zum Beispiel einen intensiveren und konstanteren Dialog mit den Schauspielern. Und schon ist dies ein völlig anderer Zustand. Ich liebe Theater, ich habe an fünfzig Theaterproduktionen mitgearbeitet. Hier in Graz hatte ich nach langer Zeit die Möglichkeit, am Schauspielhaus zu arbeiten, und ich erlebte wieder eine ganz andere Realität als die, die ich erlebe, wenn ich einen Film mache. Eine Realität, die aus Kompromissen besteht. Wenn ich einen Film mache, dann mache ich normalerweise keine Kompromisse. Im Theater müssen die Meinungen vieler Arbeiter zusammentreffen. Im Filmbereich habe ich seit etwa zehn Jahren mein eigenes Team, wo wir uns alle kennen und wissen, was wir wollen. Hier in Graz hingegen gab es viele Arbeiter, die sich nicht kannten. Das erforderte natürlich eine Menge Dialog. Und genau das ist das Interessante: Theater ist der letzte Ort, an dem ein Dialog notwendig ist. Heute, mit den Handys, schreibt jeder Nachrichten, aber das ist kein Dialog. Im Theater gibt es keine Handys oder Textnachrichten. Man muss täglich in den Dialog treten. Man muss an den Punkt kommen, an dem man sagt: „Okay, was ist der nächste Schritt?“ Das passiert leider nicht einmal mehr in Büros: Die Leute sitzen sich gegenüber und schicken sich gegenseitig E-Mails. Im Theater wird alles durch den Dialog geschaffen. Und das gibt mir sehr viel Hoffnung.

M. P.: Gibt es Regisseure (sowohl im Film als auch im Theater), die für Sie besonders bedeutend sind?

L. W.: Im Filmbereich sind es Robert Frank, Orson Welles (besonders seine späteren Werke), der Dokumentarfilmer Raymond Depardon, Pedro Costa und Aleksandr Sokurov. Diese fünf und fünfundvierzig andere. Tarkowskij zum Beispiel hat für mich eine große Bedeutung gehabt. Was das Theater betrifft, so fallen mir unter den Regisseuren der Vergangenheit Peter Zadek, Klaus Michael Grüber, Einar Schleef und Heiner Müller ein. Unter den zeitgenössischen Regisseuren schätze ich vor allem Michael Thalheimer. Alle anderen kann man vergessen (lacht).

M. P.: Eine letzte Frage: Welchen Rat würden Sie einem jungen Menschen geben, der Regisseur werden möchte?

L. W.: Er muss durchatmen, er muss zehn Jahre lang ohne Hoffnung auf Erfolg arbeiten und er muss seinen eigenen Weg wählen. Es ist sehr wichtig, dass er sich nicht nur für den Film, sondern auch für viele andere Kunstformen interessiert.

Info: Die Webseite von Ludwig Wüst